Revista / 2022 Mayo / La Virgen entronizada
Esta tabla, una obra temprana de Niccolò di Ser Sozzo Tegliacci, fue parte del panel central de un altar. Aunque ahora se encuentra dividida, debió de exhibir a una Virgen entronizada, en tamaño completo, rodeada por ángeles.
En ella sobresale el estilo decorativo y fino del artista, sutil y fluido en formas. En el colorido dorado muestra el refinamiento sienés que se combina con el peso y el modelo de las figuras que provienen de la escuela florentina.
En la vestimenta del Niño se ven aún los restos de una cobertura original de plata dorada. Algunos residuos pueden ser detectados. El resto de la obra del altar no ha sido localizado aunque un políptico similar se encuentra en la Pinacoteca Nacional de Siena, firmado y fechado por el artista en 1362.
El autor fue uno de los pintores y miniaturistas líderes de la Escuela sienesa. Su estilo es cercano al de su colaborador Lucca di Tomme –a quien fuera atribuida la obra con anterioridad–, y mantiene la influencia de Simone Martini, en especial de los hermanos Lorenzetti, de cuyo taller pudo haber sido aprendiz.
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El Maestro de la Misericordia representó a la Virgen entronizada dentro de un arco ojival dorado, característico de la tradición medieval; las figuras simbólicas, al no buscar el realismo, son frontales, planas e hieráticas. La cabeza de la Madona está ligeramente curvada; su inclinación anima la postura monumental y fija el cuerpo. Sobre el regazo de su Madre, el Niño es más rígido; el juego de miradas y manos la lleva a ser también una Virgen de la ternura y simboliza el infinito amor entre ambos.
De acuerdo con el canon de la época, la proporción de los personajes que se encuentran a los lados es menor a la de la Virgen, lo que demuestra la sublime jerarquía de la Rosa mística. El artista representó en una composición triangular la escena principal y la dotó de espiritualidad. A los lados se hallan Pedro y Pablo, quienes miran a la Virgen; frente a ellos, Juan el Bautista y Tomás. El llamado Maestro de la Misericordia integró a dos ángeles músicos en la parte inferior para complementar la escena. En la predela se admira además a Cristo como Varón de Dolores, considerado en el Antiguo Testamento como prefiguración del Mesías. A los lados, María con el discípulo amado, Juan Evangelista, quienes se encuentran flanqueados por dos mártires.
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En la tabla dedicada a la Virgen María, el autor retomó características de los manuscritos iluminados y transmitió una calidad cromática típica de los albores del Gótico internacional. Los santos portan sus atributos y están ubicados en un plano menor que el de la Madre y el Salvador, quien sostiene un jilguero.
El ave con frecuencia fue representada en la iconografía cristiana como símbolo del alma, que queda vinculada con la vida terrenal. Aquí, el acto de amor divino de enviar al unigénito a la tierra.
Los tonos azules y rojos, junto con la aplicación de oro, se funden en una arquitectura espacial con el arco apuntado. En el fondo se observa otro rasgo típico de esta época: los ángeles de alas coloreadas llevan instrumentos musicales y las orlas doradas encuadran la escena.
Durante el siglo XIV las escuelas sienesa y florentina desarrollaron un estilo completamente alejado del bizantino. Las representaciones fueron más terrenales y de mayor calidad lumínica. Los cuerpos difieren en tamaño debido a que el fondo era más importante que la forma.
El reconocimiento del maestro anónimo se debe a la predela del retablo El nacimiento de la Virgen María (c 1365-1370), sito en el Museo Ashmolean de Oxford, Reino Unido. Dicha obra fue atribuida al pintor Andrea di Cione di Arcangelo, l’Orcagna (1308/1320-1368), con quien el Maestro de la Predela de Ashmolean había estudiado hacia 1360. Gracias a Laurence Kanter, curador de la Galería de Arte de la Universidad de Yale, Connecticut, los EE. UU., se sabe que entre 1367 y 1368 trabajaron juntos en el tríptico de San Mateo, actualmente en la Galería de los Oficios en Florencia, Italia. Tras la muerte de Arcangelo trabajó con su hermano, Jacopo di Cione; ambos colaboraron en la serie La Crucifixión (1369-1370) de la Galería Nacional de Londres. Después de algunos años logró realizar trabajos independientes como el tríptico que resguarda la Pinacoteca Vaticana y esta obra de Museo Soumaya.Fundación Carlos Slim.
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